"Chapeau Monsieur" al caballero de guante y de sombrero

 

 

(Feb.14 de 2012) Sin mayores despedidas que el trabajo continuo, nos dejó Gabriel Rondón (q.e.p.d.), uno de los máximos exponentes de la guitarra jazz en Colombia, tras una larga enfermedad.

Previamente el guitarrista había seguido destacándose por una actividad incansable, su participación en docenas de producciones musicales para la televisión y para la vida nocturna de la ciudad, acompañando cantantes o con sus propios grupos. Desde la radio se pudo rendirle homenaje a mediados de 2010 cuando se supo que estaba en cama y un poco antes que se pusieran en venta algunos enseres suyos, entre discos y libros de gramática musical: una especie de venta de garaje para soportar algunos gastos apenas obvios de su convalecencia.

¿Se imaginan haber podido encontrar allí esos primeros acetatos que fueron transcritos como ejercicio para compartir con otros músicos a comienzos de los setenta o el legendario primer "Real Book" que llegó al país de manos suyas?

Pudimos verlo en actividad musical continua, entre la docencia y las presentaciones de diversa índole en centros comerciales o en reuniones sociales. Lamentablemente su salud había menguado y finalmente no pudo dedicarse más al oficio que amaba como nadie.

A comienzos de la década del setenta fue acogido por el grupo del pianista Armando Manrique; se le pudo ver al frente del grupo "Café", junto a formatos de la "Colombian All Stars" con Joe Madrid y Willie Salcedo y en diversas presentaciones para la televisión nacional, como arreglista, compositor e instrumentista, siendo un hombre de máxima versatilidad que dominaba tanto la música popular latinoamericana, como el lenguaje universal del jazz.

Llamó la atención su caracter reflexivo (en algún momento estuvo concentrado en la meditación trascendental), bohemio también en un tiempo y muy apasionado, matiz este último que le distinguió entre otros músicos de su generación y de cómo siempre llamó la atención a los jazzistas más jóvenes, para que no descuidaran el estudio de los 'standards', pues con el olvido de ello se perdería también un vocabulario y una escuela.

Muchos escasamente le conocieron por su buen disco "Orekagua" por ser -de lejos - el único propiamente aparecido a nombre suyo en el ámbito del jazz, pero en realidad el número de grabaciones logradas por Rondón y acompañando a otros músicos importantes, es muy grande y hay que ponerse en la tarea de rastrear y organizar esa memoria y ese legado. El baterista Javier Aguilera, colega y amigo suyo, guarda una grabación inédita de excelente calidad, que bien puede ser el referente inmediato del mencionado álbum. Una especie de 'eslabón perdido'.

Lo innegable es que una generación completa de jazzistas colombianos se formaron bajo su influyente estilo y sus esnseñanzas, cuando menos como un punto de obligada referencia.

Para el museo de la memoria nos quedan su guante de lana, su 'cola de caballo' y su sombrero de ala ancha, inconfundibles marcas de su estilo. Gratos recuerdos alrededor de su paso profundo por la vida.

 

 

Se fue el autor del célebre "Afternoon of a Georgia Faun": Marion Brown

 

 

 

Por Rafael Serrano

 

Marion Brown fue toda una fuente de iridiscencia creativa para su generación y por supuesto para quienes les sobreviven y podrán apreciar su sonido de erizada textura y su intuitiva y sólida postura ante la vanguardia y el sonido. “Afternoon of a Georgia Faun” fue posiblemente su máxima inspiración sin querer tan siquiera insinuar que el resto de sus registros y apariciones o colaboraciones musicales se opacaran con el atractivo que esta obra representa. Oriundo de Atlanta, Marion Brown se unió a la prolífica y selecta escena del jazz de vanguardia neoyorquino de la década de los años sesenta, en la cual también fueron protagónicos otros destacados vientistas como John Tchicai, Archie Shepp y por supuesto John Coltrane. Al final de esta misma década Brown quiso desplegar su interés en otras disciplinas artísticas como la arquitectura y la plástica y por ello viajó en 1967 a París, interesado también en la música de Erik Satie, el arte impresionista y la herencia del arte y la música del áfrica.

 

Colaboró allí en la película de Marcel Camus “Le Temps Fou”, siendo el autor de la banda sonora. La composición “Afternoon of a Georgia Faun” fue prensada originalmente por el sello alemán ECM como una apuesta y un riesgo conceptual procedente de un grupo de jóvenes talentos, algunos hasta entonces poco o nada conocidos como Anthony Braxton y Andrew Cyrille o incluso la vocalista Jeanne Lee que en perspectiva hoy podría recordar a la inquietante Meredith Monk. Se sabe que desde final de los noventa Marion Brown venía con una enfermedad lenta y silenciosa y que le tuvo que ser amputada parte de una de sus piernas. Tenía 75 años y alrededor de 21 grabaciones como líder, aparte de colaboraciones destacadas entre otros al lado de John Coltrane. Su deceso se registró en octubre de 2010. Luto en la vanguardia del jazz.


Francisco Aguabella: ¡Callen los batá!

 

 

 

Por Rafael Serrano

Con los discos del maestro Francisco Aguabella pasaba lo que pasa en los rituales del África profunda o de la enigmática Cuba sumergida: inescrutables sendas se abrían como una cascada de revelación y desvarío. Eran discos llenos de estupor y de sorpresa: en ellos, como en el escenario preparado para el raro 'candombé', se movían misteriosamente los objetos, se desnudaban muchachas ante el fuego o simplemente fallaban los 'tracks', aunque el disco fuera nuevo.

Con esos discos había que tener especial reverencia. Pedir permiso a los espíritus y hacer que el agua y los tam tam evocaran el unísono de la africanía incrustada en la gran América extrañada y simplemente danzar, dejar que el 'beat' penetrara en las esencias y procurar guardar a los espíritus cuando todo había terminado en el fandango y hacer volver el círculo humeante a su funda plástica en el anaquel de otros discos compactados y vecinos, para los cuales Aguabella no era normalmente un vecino bienvenido. ¡Era el raro de la casa!

Esto será elucubración con cierto tono poético. Muy personal por cierto. Pero la verdad es que con Francisco Aguabella, velado e inhumado en California, Estados Unidos el pasado 13 de mayo de 2010, el misterio se volviá algo más que un insólito capítulo de lo inexplicable y de su música saltaba siempre un halo de magia mística, santera, contraria a una fuerte tradición religiosa arraigada en latinoamerica, que no por ello había dejado de ser el norte de percusionistas no sólo en este continente, sino también fuera de él.

De su discografía se destaca Cantos a los Orishas (Pimienta Records, 2002) donde pone a los batá en polifonía crucial y también Ochimini donde los espíritus de su natal Matanzas en Cuba, invitan a danzar y a evocar rostros de la tradición.


Con redoble, un adios para Paul Motian

 

 

 

De esos discos entrañables, de esos pocos que uno quiere escuchar una y otra vez y terminan gastándose del uso, de aquellos que no se agotan y suena siempre renovados, los del desaparecido baterista Paul Motian acompañando a Charlie Haden son – para quien escribe este obituario sentido – una muestra sin igual.

Más que un obituario, es una botella de náufrago tardía para quien había hecho del conjunto de tambores, una alegoría a la libertad, a la armonía, al inmenso mundo del jazz y sus diversas concepciones. Con un saludo de admiración y respeto. Algo más bien solemne para alguien que incansablemente logró sumarse con alegría a docenas y docenas de proyectos.

Recuerdo haber escuchado a Paul Motian por primera vez en uno de los trios que en 1989 por encargo del Festival de Montreal el contrabajista Charlie Haden tuvo oportunidad de presentar durante ocho fechas: dos de ellas con el exquisito baterista además de Geri Allen y Paul Bley respectivamente.

Seis de estos discos pueden conseguirse hoy día en una caja de colección (llamada “The Montreal Tapes”) donde permanece Motian intacto, como si se tratara de un joven innovador. Luego fuimos conociendo su Tributo a Bill Evans, los destacados volúmenes “On Broadway” (cinco en total) y recientemente el “Lost in a Dream” de 2010, en el cual se le oye renovado, como en un nuevo aire.

En enero de 2012 apareció “Further Explorations”, álbum póstumo que el baterista de 80 años de edad hubo de grabar con Chick Corea y Eddie Gómez, acaso como premonición e invitación: una despedida cabal y una invitación para nuevas generaciones que quizá deseen aproximarse a su obra de mas de 40 títulos como líder que inició en 1972, oyendo todo en retrospectiva a partir de esta novedad discográfica.

Paul Motian, quien había sido principalmente reconocido como baterista de Bill Evans y también de Keith Jarret, falleció el 22 de noviembre de 2011 a los 80 años de edad, víctima de un proceso de mielodisplasia, enfermedad asociada a la leucemia o complicación en la producción sanguínea.

 

 

 

 

Se anuncian honras fúnebres para James Moody


 

 

Por Rafael Serrano

 

La revista especializada Jazz Times anunció la triste partida del buen saxofonista James Moody y se aclara que sus honras fúnebres serán el 18 de diciembre de 2010. Moody venía padeciendo un cáncer de páncreas cuya tratamiento involucra radiación y quimioterapia y que el maestro de 85 años de edad rechazó, posiblemente por lo penoso del asunto.

 

Conocido como uno de los saxofonistas, flautistas y compositores más influyentes en el ámbito del jazz por allá en las décadas de los cincuenta y los sesenta, se había dejado intervenir en un principio y poseía una gran fe que le había conducido a aferrarse más en las oraciones y la férrea creencia para cambiar su estado de salud. En varios momentos de su vida esta convicción le ayudó lo suficiente como para creerse un joven de 18 aún cuando ya estaba en los 78 años de edad, como lo contó su esposa Linda a la revista especializada.

 

Moody había nacido parcialmente sordo en un lejano marzo de 1925 en la evocadora Georgia y aunque fue excluido de sus estudios básicos por esta discapacidad, logró importantes avances académicos en la Escuela Bruce Street para sordos y posteriormente en la Academia High Arts en New Jersey.

 

Coincidente en alguna presentación para la Armada de los Estados Unidos, James Moody conoce a Dizzy Gillespie en 1946 y pronto hará parte de la por entonces recién formada banda de este trompetista. En retrospectiva, Gillespie diría de Moody que era como una prolongación de si mismo y a su vez el saxofonista y flautista diría de su mentor que era su amigo, su confidente y su maestro.


El legado de George Russell

 

 

Por Rafael Serrano

A causa de complicaciones del alzheimer que el compositor, pianista y baterista había padecido durante los últimos años, se produjo su deceso en julio de 2009, dejando tras de si un muy completo legado entre composiciones, grabaciones y teoría musical.

Sobre este último hay que resaltar que había desarrollado una completa teoría que inicialmente publicó el mismo durante la primera mitad de los años cincuenta y que posteriormente se convirtió en un texto mejor organizado y de referencia obligada (aún hoy día) para todos los músicos de jazz, especialmente aquellos interesados en la improvisación modal y que desde entonces se conoce como “The Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization” (Concept Publishing, 2001).

La teoría musical estuvo basada en los alcances de la teoría modal desarrollada durante los primeros años de los cincuenta entre Miles Davis y John Coltrane. Russell estuvo atrás de una copiosa lista discográfica como líder y entre sus álbumes hay títulos como su debut “George Russell Octets” (MGM, 1955) pasando por períodos muy intensos de labor 1961 y 1971 (años en los que prensó mas de un álbum) de donde se destacan el icónico “Ezzthetics” (JVC Victor, 1961) que incluye una bella versión del “Round Midnight” o el concierto “Vertical Form 6 Live” (Soul Note/Italy, 1971)


Sin cumplir 75, se nos fue Hank Crawford en 2009

 

 

 

 

Por Rafael Serrano

Dice David Sanborn en nota con caracter de obituario para la revista Jazztimes de marzo de 2010, que conoció a su colega  Hank Crawford en las sesiones contratadas para 'cuerdas de vientistas' en las que el veterano se presentaba tan elegante y cool como cuando dirigía la banda de Ray Charles en los primeros años de la década del sesenta y era saxo barítono, antes de pasarse definitivamente al alto.

Parece que el músico originario de Memphis, que habría de cumplir 75 años en el pasado diciembre de 2009, algo  meditabundo y de aire melancólico, estuvo atado y fiel siempre a su sonido característico de 'soul funk' que empezó a cautivarle desde su debut discográfico como lider, cuando prensó su atractivo "More Soul" (Collectable Records, 1960). En adelante se mantendría por mas de 37 títulos al frente de una itinerante carrera en estudio, copiosa y principalmente hecha entre los sellos Atlantic y posteriormente en Milestone Records, aunque por supuesto fue un hombre también importante en las tarimas y en las giras.

Crawford fue músico de planta de Junior Parker, BB King y Ike Turner y aunque sus inicios musicales en la infancia pasaron frente al piano, su interés en el saxofón alto procede del día en que su padre, al regreso del servicio militar en la armada, le regaló un alto que le cautivó para siempre.

Con frecuencia Hank Crawford grababa más de un álbum al año y si hoy día alguien quiere deslizarse por entre la maraña de buenas grabaciones de 'soul funk' de los sesenta y setenta, indudablemente la referencia es este músico que también estuvo fuertemente involucrado con el blues de Dr.John y Jimmy Mc.Griff a mediados de los ochenta.

El de Crawford es un sonido característico de la gran 'banda sonora de la vida' que se fue trasladando de los barrios suburbanos a las series de televisión policíacas y una de sus grandes cualidades es la buena respiración flotante sobre temas recurrentemente lentos, de gran emoción y profundo sentimiento.


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